导读

在写实人物画的创作中，速写是最重要的基本功，也是解决造型问题的主要手段，但随着时代的发展和变革，很多学生和画家对速写的认识产生了偏差，甚至忽略了速写的重要性，出现了笔墨与造型方面的各种问题，最终导致了写实人物画的停滞与衰退。

谈速写

在写实人物画的创作中，速写是最重要的基本功，也是解决造型问题的主要手段，但随着时代的发展和变革，很多学生和画家对速写的认识产生了偏差，甚至忽略了速写的重要性，出现了笔墨与造型方面的各种问题，最终导致了写实人物画的停滞与衰退。

若从现代写生画史上看，每一位著名的画家像蒋兆和、周思聪、刘文西等大家，都是速写的高手，正因为他们掌握了扎实的速写功夫，才促进了笔墨与造型的完美结合。

因此在我看来，没有速写基础是难以画好写实人物画的。

速写是素描的浓缩

速写究竟是什么概念呢？我认为速写不只是单纯地快画，而是素描的浓缩，里面涵盖了全部素描的诸多因素。

有些学生对速写怎么画、怎么操作，画速写的目的是什么等非常模糊。

其实，速写主要是解决造型的问题，因物象本身有它的属性如结构、透视、解剖素描三要素，只有认清之后才能决定用什么方法去画。

比如光影素描方法，主要源于俄罗斯素描，在建国初期传入中国，是全因素的素描，包括光影、用光影塑造立体、反光投影、三面五调等。

只不过这种素描实际上是照抄物体，可以画的很立体，但还不能体现素描的本质。

学院里学生用的素描体系常常忽略了结构、透视、解剖素描三要素，使作品没有了骨架而变成一具无法支撑的空壳。

西方素描与徐蒋体系的链接

在引进西方造型之前，徐悲鸿学习的是法国的安格尔体系，用的三维立体用线方式、焦点透视，它可以和中国传统用线结合起来。

传统绘画的线是一维的、散点的、平面的，程式化的，不是立体的，光影素描和传统用线无法链接，只能用速写的方法解决问题。

只有徐悲鸿从安格尔体系所学的三维立体素描，才能和中国传统笔墨结合起来。

同时，黄胄先生受安格尔体系中的一支——门采尔的影响，将线面适度地结合起来，激情中蕴含着一定的书写性。

虽然黄胄先生没有学院背景，但他的速写与徐蒋体系是一脉相承的，可以直接链接到徐蒋体系当中。

黄胄先生的速写与中国传统笔墨相结合，开辟了一个新的领域，为写实人物画的发展作出了巨大的贡献，并由此形成徐、蒋、黄三足鼎立的局面。

美院速写的现状和问题

现在美院的学生画速写画不到点上，主要是认识、教学、方法等方面都有问题。

现在有些画家过度依赖于摄影、录像，不注意基本功的训练，以至于写实人物画不再像当年周思聪、卢沉那样既有笔墨又有造型，形成两者结合的新样式。

现在就是照片加上现代水墨实验，想怎么画就怎么画，完全是表达自己的感受，和那时的手法、想法、规律完全是两回事。

其实现在画速写仍然非常重要，只有先解决好造型的问题，才能产生整体的审美效果。

还有的学生经常把写生和速写混淆起来，其实它们是一回事，又不是一回事。

它们的共同点都是用铅笔、毛笔记录生活和自己的感受，但写生是画生活、生命和生活现象，无论熟悉不熟悉，都要通过写生的形式记录下来。

而速写是一种手段，用手段去表现所要达到的目的。

我认为写生是要求，速写是手段，它们既矛盾又不矛盾，必须要认识清楚，理解透彻。

而且写生不是单纯记录下来就行了，要在生活中寻找和感悟，这和自己的悟性有关，与灵性、知识积累、文化修养有关。

因此不能盲目地去写生，要有感而发，随时播下生活的种子，让它孕育发芽、开花结果。

我提倡画家要到一个地区长时间地了解、观察，搜集的素材越丰富越好，越细致越好。

我反对成群结队地集体去写生，那样没有什么效果。

也不要照抄生活，那完全是作秀。

现在有很多画家凭借喷绘等手段绘画，还有更多画家依赖手机照片画，这是令人担忧的一种现象。

因为这样做不会使人具有真正的造型能力，也不能理解把握内心的感受，并用恰当的方式表现出来，只是照抄老师或固定的样式。

我不赞同这种作法，希望能够恢复老美院的传统，拿着速写本、写生夹到生活中，找到熟悉的生活中的那个点扎下去。

而在校的学生更应该踏实地学习方法，把笔墨和造型很好地结合起来。

速写与写实人物画创作

一般来说，好的速写可以提高画家的造型能力，早些时候画一个人的速写，主要是解决形态、动态、结构、韵味等问题，而多人在同一画面时，就要进行组合练习和构图练习，这才是创作的开始。

如果把这种带构图的速写命名，就成了艺术品。

有些大师的速写本身具有艺术价值，有多种艺术功能和很强的书写性，包涵了许多文化信息、记录了当时的感觉和感受，记录得很生动，瞬间的感受也很鲜活，完全可以作为单独的作品来欣赏。

但速写本身不应该作为艺术品去画，因为它只是基本功的训练，与成熟的艺术品还有一定的距离。

在几十年的艺术生涯中，黄胄先生和周思聪老师对我的创作影响很大，在作品中留下了深刻的烙印。

郎绍君先生说，我把黄胄学院化了，把学院黄胄化了。

这样的评价很中肯，因为学院派的画风有些呆板，引进了黄胄以后，就会在融合中显得更加鲜活自如，而黄胄也因和徐蒋体系的链接，趋向完善成熟的境界。

无论怎样，速写是这一切的开始，同时还要有激情，还要学习借鉴，最终才能实现两者的高度统一。

同时，我认为写实人物本身就具有现实主义、批判现实主义的审美特征，所以它和作品的现代性是不矛盾的，反而更适合体现当代人的现实生活，具有强烈的时代感。

况且写实人物在手法上是多元化的，有一定的包容性，既传承了传统笔墨的核心精神，也吸收了当代水墨的审美元素，整体上呈现出集大成的艺术特点。

总的来说，写实人物是东方和西方的混血儿，有着强大的生命力，在中国画坛曾经辉煌了几十年，有效地推动了中国人物画的发展与演进。

尽管在当今画坛写实人物的耀眼光环已经褪去，也不再占有画坛主流地位，但是我相信未来或许还会出现一个新的高峰。

如今貌似萧条和沉寂都只是暂时的，现在的沉潜是为以后再度的崛起作准备。

论中国画坛的三大板块

现在的中国画从技术、理论到审美已经形成了传统水墨、徐蒋体系、当代水墨三大板块，它们不仅有着各自的标准和特点，而且都扎根在中国水墨的沃土里，呈现出我们这个民族的艺术精神。

我认为中国画坛的三大板块，应该是三足鼎立的格局，相互尊重、相互学习、相互包容、相互生存。

但当今的画坛理论家，大多从文人画的角度和标准理解中国画，片面地认为它们都属于文人画的范畴。

这从认识上就存在一定的误区，有着一叶障目的倾向，只有将其梳理清晰，才不至于造成学术上的模糊与混乱。

源远流长的传统水墨

第一个板块传统水墨，始于晋唐，成于五代，盛于宋元，明清及近代有所发展。

它有着几千年的历史和积淀，承载了历代画者的笔墨精髓，洋溢着中国文人的审美精神，在中国画坛占有重要的地位。

这其间出现了李思训、范宽、李成、赵孟頫、徐渭、八大、石涛等历代名家。

他们讲究气韵生动和笔墨神韵，强调平面构成，散点透视，意象造型，书法用笔，讲求浓淡、虚实、枯润等对比关系，追求以形写神，似与不似的高妙之境，意在抒发画家主观情趣。

到了近现代，又诞生了齐白石、黄宾虹、吴昌硕、潘天寿、任伯年等大家，很好地传承了中国传统绘画的笔墨精神，从来不画素描，从技术到理论都有自己的一套规律，从形式到内容流露着文人画的审美气质，讲究线与墨的写之趣味，着意于意象和意境的营造，追求诗书画一体的文人特性，体现出不求形似，逸笔草草的审美特征。

传统水墨在形的构建方面，不拘泥于物象的原貌，与精准的西方造型大相径庭，亦显现出以线造型的局限性。

而有些画界人士无视这一点，依然用传统水墨的标准要求写实人物画，这显然是张冠李戴、南辕北辙了，其结果必将形成越要求越乱，越乱越指挥的恶性循环。

这些人或出于颐指气使的傲慢，或出于对当代画坛现状的无知，将不同体系混为一谈，最终导致了啼笑皆非的画坛乱象。

针对这两个体系的不同样式，应该在彼此尊重的前提下，分别要求和对待，才能准确地反映出它们的不同风貌。

兼收并蓄的徐蒋体系

第二个板块徐蒋体系，它的创立与徐悲鸿、蒋兆和有关。

在近代洋务运动时期，西风东渐，国门大开，很多知识分子出国深造。

徐悲鸿就是在这时到法国留学，把西方造型方法带回中国，由此开辟了中国人物画的一个新领域。

后来的蒋兆和以骨法用笔为基础，将西方造型与传统山水画技法相结合，塑造现实主义风格的人物形象，成为徐悲鸿写实人物板块的重要人物。

如果没有徐蒋体系，现在的中国画就会像台湾、香港、新加坡的中国画一样，是没有造型能力的。

在写实人物画领域，素描发挥了相当大的作用，对中国人物画的发展影响深远。

同时这个板块本身是有包容性的，既讲究笔墨又追求造型，还要将两者结合起来。

徐蒋体系把宣纸当作平面的舞台，画家是导演，亲自安排主角、故事、形式、构图、黑白等关系，用以表达心中的感受。

但是徐蒋体系本身没有发展的特别充分，从出现那天起就遇到了众多矛盾和批评，一直到85年之前达到了最高峰。

从建国后到85年以前，是它生命力最旺盛的时期，之后就被边缘化了。

虽然它存在的时间是三十多年，但影响力很大，现在的美术教育基本都按照这个方法进行的。

写实人物讲究传统笔墨和造型之间的统一，首先要对传统笔墨有所认识，大量临摹，不断感悟。

因为写意是一种精神，毛笔是工具，笔墨是载体，借以表达画家的内心感受，营造画面意境。

而造型是要弄清西方素描体系中的结构、解剖、透视三要素，只有将笔墨和造型结合起来，才能达到写实人物的完美之境，因此，既要考虑到线、墨、散点透视的平面设置，又要顾及结构、解剖、透视的三维空间，尽管有些复杂，但最终还是能够统一在同一画面中。

与时俱进的当代水墨

第三个板块当代水墨，最早可以追溯到林风眠时代，擅于用中国的笔墨工具表达西方人的感受，吸收了毕加索、塞尚等印象派的形式与色彩，他的学生有赵无极、吴冠中、朱德群，黄永玉等人，他们不讲笔墨，但有形式、色彩和新样式，都是强调平面，受浮世绘影响重新组装。

当代水墨的自我性很强，主要是画给自己看的，是画家自我感情的宣泄。同时也在不断创新，与时俱进，永远在淘汰、在变化，符合时代审美要求。

因此，当代水墨的诞生拓宽了我们的视野，带来了新鲜的养分，是中国画不可分割的一部分。

85年后美院的解剖课、透视课都取消了，基本转向研究、创新、探索当代的观念，于是就出现了新的审美体系，当时的周思聪、卢沉成为重要的先驱者和倡导者。

他们凭着极强的造型能力、笔墨功夫，以及将两者合一的高水平，在徐蒋体系的基础上进行了大胆的创新，走出了一条新的个性化道路。

他们在教学上融入了许多新的内容，渐渐远离了徐蒋体系的核心思想，而趋于当代水墨的审美范畴。

因此在后卢沉时代，出现了像田黎明、刘庆和、李孝萱等当代实验水墨的画家，他们有着徐蒋体系的深厚基础，但实际上更倾向于自我感受的表达与发挥。

而作为当代的院校学生，接受的完全是当代水墨的理念，又不具备徐蒋体系的基础训练，所以在形式上显得有些不伦不类，传承上出现了明显的断裂带。

其实，当代水墨亦是在传统水墨和徐蒋体系的基础上发展而来，彼此之间有着文脉传承的关系，不能将其从中割裂开来。

三大板块的区分标准

传统水墨、徐蒋体系、当代水墨这三大板块有着不同的特点和要求，需要我们明确地区分。

比如传统水墨属于传统中国画样式，先有立意，言简意赅，再把自己的感受表达出来，体现出意象之美。

在这方面明代的徐渭达到了最高的境界，后来没有人超过他。

而写实人物是舞台，要和观众有交流，更容易引起社会共鸣，具有广泛的传播性，有时会一针见血地揭露社会现实，具有社会性和批判性。

写实人物画扩大了传统笔墨的范围，只是徐悲鸿时期技术上还不完善，往往造型好、笔墨好，结合的不好。

85年才是写实人物画最成熟的时期，周思聪在这方面做的很好，笔墨造型的结合很到位，即使是大场面的构图，同一焦点透视下所发生的事，也会安排得恰如其分。

相对而言，当代水墨则是在保留中国传统笔、墨、纸的基础上，大量运用了西方绘画的方法和观念，通过抽象、荒诞等水墨形式，表达内心的主观感受，产生了与前两个板块迥然不同的审美意象。

如今的学生在学完基础知识后，一定要认清自己适合哪个体系，然后扎实地去学，再从传统的宝库里吸取知识，不要排斥，以我为主，应吸收对方优点，共生共存。

总之，当今中国画坛的三大板块，是历史形成的客观存在，它们之间既不矛盾也不对立，而是相互兼容又各自独立。

我们只有以尊重的态度，接纳的胸怀对待，才能够营造三方共存共融的和谐局面。

这也是未来中国画坛的基本态势，任何盲目的排他和压制都是没有意义的，那只是狭隘思想和片面意识的不成熟表现。

个人简介

史国良（释慧禅）生于1956年，1980年毕业于中央美术学院国画系研究生班，中国美术家协会会员，中央美术学院、首都师范大学美术系客座教授，中国艺术研究院研究员，中国国家画院一级美术师。作品《刻经》荣获第23届蒙特卡罗国际现代艺术大奖赛“联合国教科文组织大奖”并受到文化部的嘉奖。他的画风以写实手法反映时代生活为主，功底扎实、笔墨厚重、是中国人物画坛写实画派的重要的代表。

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